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晋江鞋服产业的品牌征程

海峡网10月29日讯（福建日报通讯员 麦如深）鞋服产业算得上是福建的“土特产”之一， “中国鞋都”晋江在全国运动鞋服市场占有不容小觑的份额。伴随着改革开放驶到40年，从“土特产”到品牌林立，晋江鞋服产业不断突围、创新、壮大。

无品牌的阵痛与崛起

作为中国最早的对外开放地区之一，在福建沿海，从上世纪80年代初起，一大批来自民间、能筹集到原始资本的能人借“三来一补”，“下海”起家。

依靠地理优势，晋江的陈埭镇形成了一个兜售货品的集市，制造业的苗头逐渐显露，而制作门槛低、需求量巨大的旅游鞋成为晋江人瞄准的新产业。

1987年，丁世忠背着几百双鞋子北上闯荡，丁水波在河边搭起了棚子，创办三兴制鞋厂，那年他俩17岁。林水盘已经在鞋厂当了2年学徒；丁明亮已经营了4年的鞋厂……

这四人，分别是安踏、特步、喜得龙和德尔惠的创始人。而“德尔惠”这个连员工都觉得“土得要命”的名字是工商局工作人员临时取的。

晋江金丰鞋业有限公司董事长林瑞滨说：“最初我在陈埭一家鞋厂打工，1985年开始跟我爱人、老丈人、小舅子买了针车、烘箱，就开厂了，投资不到几百元钱。没有请工人，我们就自己车、自己缝，当时也没有裁床，手工裁的，然后缝起来成型。做好的鞋子，我骑摩托载去安海、青阳卖。后来越卖越远，最远卖去沈阳。到1988年、1989年已经有20名工人了。后来，我就和我大哥自己开厂了。有一年，我去香港买了一双凉鞋回来研究，一生产下去就火了。只有我们厂掌握技术，价格一度从16元加价卖到20多元，供不应求。1990年至1999年，我们从一年做40多万双发展到100多万双。”说起创业史，晋江不少老一辈鞋服从业者都有着相近却不相同的故事。

当时，人工成本低，运输配套相比内陆优势大，晋江获得许多国外客户的青睐。到了上世纪90年代，以陈埭镇为中心的鞋产业遍地开花，家家户户都做着和鞋有关的买卖。然而，这些产业在形成集聚以后，随着外部环境的变化，低端竞争已经不可持续。有挺长一段时间，福建鞋服产业的加工厂处于全球价值链低端，得到的仅是微薄的加工费用。

越来越多企业主意识到，需要给自己的产品赋予更响亮的名号。在那个还对品牌懵懂的年代，丁明亮1989年在晋江注册了当地第一个鞋服产业商标“德尔惠”，紧接着，“安踏”也出世了。当了多年学徒的林水盘成立了自己的鞋厂九州奔克，丁水波的三兴进入俄罗斯市场做起外贸。

如果说上世纪90年代晋江鞋服产业的发展是飞速的，那20世纪初的晋江鞋服产业是热血沸腾的。当地迎来了历史性跨越——首次进入全国百强县前十。新的区域经济发展格局初步成形之时，继续从事代工还是大力发展自主品牌，成为摆在许多鞋服企业面前的难题。

新世纪当口，安踏以80万元请男子乒乓球世界冠军孔令辉代言，并在CCTV-5投放广告，为晋江鞋服产业品牌之路打响了第一炮。

一位“老晋江”鞋服人回忆：“安踏在中央台的那个广告一播出，整个仓库的鞋被一扫而空。”

一时间，众多厂商纷纷效仿。金莱克选择了女子乒乓球世界冠军王楠代言，并拿下“中国第六届大学生运动会专用运动鞋”的赞助权益。喜得龙请来了时任中国乒乓球总教练的蔡振华代言。就连当时已经成为外销大王的丁水波也把目光转向了正在崛起的本土市场，三兴也随之改名为特步。德尔惠签下周杰伦为其代言人。安踏再签萧亚轩。喜得龙请来郭富城，赞助了中国流行音乐排行榜颁奖盛典……一时间，晋江诞生了上百个体育鞋服品牌，也催生了“代言人+CCTV-5”的“晋江频道”。

代言人加上漫天的电视广告给品牌知名度带来很大提升，自此，晋江鞋服品牌深入人心，家喻户晓。紧接着，上市大幕迅速拉开。2007年，安踏成为晋江鞋服品牌中的第一股，上市当天在香港资本市场的收盘市值达到187亿港币。361°、匹克在香港上市，喜得龙在纳斯达克借壳上市……

数据显示，在晋江规模以上工业企业中，2007年，纺织服装业产值288.55亿元，比上年增长22.3%；制鞋制革业产值287.63亿元，增长33.4%。而到了2017年，纺织服装业产值1124.61亿元，比上年增长11.2％；制鞋业产值1112.85亿元，增长8.4％。十年间，纺织鞋服业产值有3倍左右的增长，但涨幅比起十年前，却颇显窘迫。十年前晋江鞋服产业的沸腾之势令人侧目。

《魔力歌先生》谁让你快乐

　　潘卡

　　一档音乐综艺收官一个多月了，站内外“呼唤第二季”的声量不降反升。线下巡演广州场、沈阳场预售几分钟全部售罄，社交平台上到处是抢不到票的哀嚎。

　　这档让观众追着买票、追着催更的节目，叫《魔力歌先生》（以下简称“魔力歌”）。

　　如果你在2026年春天打开过它，大概还记得这个“震荡眼球”的画面——台上三个东北大汉摇头晃脑地唱着“扛扛扛扛扛过枪，放放放过羊”，台下的“评委”们非但没有皱眉，反而集体蹦迪，大张伟甚至跑到舞台下面跟着扭。弹幕飘过最多的两个字是：“上头”。在一众拼高音、拼编曲、拼小众品位的音综里，为什么是这档把“洗脑神曲”打在公屏上的音综破了圈？

　　总导演贺世攀说过一句话，或许就是答案——“音乐的本质是情绪表达和快乐传递，不应该只有专业的圈层能欣赏”。听起来朴素，但在整个行业都在教观众“什么是好音乐”的时候，它选择了问观众“什么让你快乐”，这种态度本身就是一种突破。

　　从“谁唱得好”到“谁让我快乐”音综评价体系的一次松绑

　　过去十年，音乐综艺在中国经历了从大众狂欢到圈层割据的完整周期。《歌手》把竞技推到了极致，《乐队的夏天》让独立音乐破圈，《中国新说唱》炒热了说唱文化。这些节目无一例外地在做同一件事：教育观众什么是“好音乐”。在这个过程中，一套隐性的审美等级秩序逐渐成型——能飙高音是高级的，能唱冷门是高级的，懂得花式改编的是高级的……

　　但“魔力歌”选择了一条相反的路。

　　它不问你唱得多高、转了多少个音，而是问：你唱完以后，我是不是想跟着动？“着魔团”的拍灯逻辑，与其说是评判，不如说是“身体投票”。大张伟会因为一首歌让他想喝啤酒配鸭脖而拍灯，龚琳娜会因为心跳加速而尖叫，吉克隽逸会因为看得太投入而忘记拍灯——这种“不专业”恰恰是节目刻意为之的设计。

　　节目监制赵婧这样理解这件事：“音乐本身就是大众与生俱来的情绪表达载体，曲高和寡的小众品类只是其中的一部分。”换句话说，节目不是在审美降级，而是让音乐从需要鉴赏的艺术品重新回归到普通人的生活乐趣。

　　这种回归带来的效果立竿见影。节目播出后，社交媒体上最常出现的一类评论是：“这节目治好了我的听歌羞耻。”所谓“听歌羞耻”，指的是很多人手机里有两份歌单——一份用来展示品位，一份偷偷自己听。“魔力歌”做的事情，就是把后一份歌单放到了聚光灯下，然后告诉所有人：喜欢这些歌，不丢人。

　　这种“不丢人”不只是节目给的一句安慰，它背后确实有生理层面的依据。从神经科学的角度看，这类结构简单明快、副歌高频重复的歌曲，能精准地击中大脑的“愉悦中枢”。大张伟在节目里说过一句大实话：“让你禁不住地喜欢。”这就是“魔力歌”的运作原理——它绕过了你的审美判断系统，直接跟你的身体对话。

　　那些被算法选中的人终于等来了属于他们的追光灯

　　如果你仔细看“魔力歌”的选手名单，会发现一个非常有意思的现象：这里面很多人，你已经“听”过他们很久了，但从来没有“见”过他们。

　　付豪就是典型的例子。他的《他真的对你好吗》是短视频平台的超级BGM，被无数情感类内容反复使用，但你走在街上，没人能认出他就是那个声音的主人。“魔力歌”之前，付豪最大的骄傲不是数据，而是线下开演唱会时，“有这么多朋友愿意来听我唱歌”。

　　金润吉的故事更耐人寻味。他曾经是阿里郎组合的主唱，拿过《中国好声音》庾澄庆组的冠军，在华语乐坛的唱片时代和短视频时代都留下过自己的印记。这样的资历坐镇“着魔团”都够了。但他选择以选手身份参赛，理由很简单：他需要拿出更多原创作品，让观众重新认识自己。

　　还有邓典，2018年在《明日之子2》被华晨宇评价“唱功教科书级别但没感情”，七年后再站上舞台，他对音乐的理解也变了：“唱功和情感相辅相成，别过分关注音乐之外的事情。”范泰西，一个尼日利亚人，因为在长沙街头唱《我们不一样》走红。但他承认，一年只有10到20场商演，“目前的收益不能支撑我安心做音乐”。亚森，从新疆草原到上海舞台，从酒吧驻唱到音乐剧演员再到魔力先生，他最享受的是“站在舞台上的每一刻”。

　　这些人的共同点是什么？他们都有实力，都有作品，都有被算法验证过的受众基础，但在传统的音乐综艺体系里，他们处于一个尴尬的中间地带——不够“素人”，也不够“明星”；不够“高级”，也不够“另类”。他们是短视频时代批量生产出来的“熟悉的声音，陌生的面孔”。

　　但他们也都有自己做音乐的坚持。付豪说，他不会为了流量去做特定的音乐，但也“不会抵触市场喜欢听的流行情歌这种标签”。杨润泽说，他要“跟上传播规律，但不让算法操控创作”。范泰西说，“网红歌手并不影响你成为一个实力唱将”。这些表述背后，是一群在流量与生存之间认真寻找平衡点的人。

　　“魔力歌”做了一件看似简单、实际上需要巨大勇气的事：给他们一个专业的、全开麦的、能面对真实观众的舞台，让他们不只是“被看见”，更有机会证明“网红”和“实力派”可以是一个人的两面。歌手满江曾讲过一个细节：导演组对魔力先生的甄选长达一年，在全国进行招募，每一首歌的聆听、每一次试音、每一轮录像，导演组核心成员全部到场。这种认真，在追求“快进快出”的综艺行业，本身就是一种奢侈。

　　魔丸打架，名场面在这档节目里成了“日用品”

　　如果用一个词来形容“魔力歌”的舞台观感，最贴切的可能是——“野生”。

　　这不是一个精致到每一帧都像MV的节目。恰恰相反，它刻意保留了大量的“不完美”：选手会在备采间里耿直地说“你说，老妹”；换衣服的时候服装老师会笑到倒地；纪海星会在台上讲自己差点掉进粪坑的故事；哈哈曹能把韩磊的《等待》唱成脱口秀，间奏还来一段“感谢致辞”。

　　但这些“不完美”恰恰构成了节目最珍贵的质感——活人感。

　　我们再来看看几个名场面是怎么诞生的。曾一鸣，2013年《中国最强音》的冠军，曾经让罗大佑和章子怡为他吵架、让陈奕迅再也不当音乐综艺评委的“孤狼”，在“魔力歌”里跳舞了，网友评论“年纪大了慈眉善目，队友想怎么练唱跳都配合”；邓典在李维嘉要求下，咬牙切齿地完成了一个鬼畜级别的表情；平安，那个唱《我爱你中国》的歌手，在节目里摇起了花手；白凯南一本正经地唱《大貔貅》，把张宇吓得夹着本子遁走……这些人有故事、有表达能力、不怕出糗。把他们放在一起，不设置太多条条框框，名场面就自己长出来。

　　被顺其自然的记录下来的，还有这些歌手之间的兄弟情。满江在讲述初舞台录制的场景时说，70多组魔力先生在三天三夜里一组一组上台，他在台下“疯狂地听到了所有歌，看到了来自全国各地的、几乎都不认识、叫不上名字的人”。三天三夜之后，他的嗓子不是唱劈的，而是“为这些伙伴鼓掌呐喊”喊劈的。比赛的后台，他们还相互指导、跨组帮忙，哈哈曹被赵骏手把手教拿麦的姿势，曾一鸣帮其他组抠细节。到了总决赛，被淘汰的选手都回来了，台上台下一起流泪。庆功宴上，所有人又哭又笑。

　　这大概就是节目最核心的“魔力”——它让一群本可能互相视为竞争对手的人，跨组互助、倾囊相授、赛前互相鼓励、赛后约定“常联系”，变成了一个彼此托举的共同体。

　　一档音综从“节目”变成了“事件”

　　“魔力歌”第一季在5月中旬收官。但节目真正的续篇，不是在腾讯视频的播放列表里，而是在线下演出的抢票页面上。

　　第一季收官后，“魔力歌”开启线下巡演，广州、沈阳两场演出票，几分钟内全部售罄。对于一个第一季刚刚结束的全新音乐综艺品牌来说，这个成绩足以让整个行业重新审视“音综变现”这件事。更值得关注的是，这种全民参与感不只体现在买票上。贺世攀提到，观众会“自发组建‘魔力歌’追更群，编排魔力舞蹈，为节目推人推歌”。节目收官后，站内外的“呼唤第二季”声量没有消退，反而愈演愈烈。

　　这说明了一个很重要的事实：当一档音乐综艺真正触达了大众的情绪需求，观众就不再是被动的接收者，而是主动的共建者。他们不是在“追”一档节目，而是在“参与”一个文化事件。这种“自传播”的背后，是节目精准地切中了当下社会的某种集体情绪——在压力越来越大的日常里，人们需要一种没有门槛的、不被审视的、可以全家一起参与的快乐。

　　其实我们一直都知道，在这个被算法、流量、KPI精密计算的时代，一群人愿意为了“让大家开心”这件事认认真真地疯一把——这本身就足够有魔力，也足够动人。